前篇【美國大都會博物館名作展(上)】介紹了展覽主題，本篇緊接著介紹14幅「重點名畫」。(此版本由官方認定，葵花子希望你也能在展覽找到專屬自己的「重點名畫」)
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目錄
■大都會博物館展覽-展覽資訊
展覽日期：2025/6/14-10/12｜9:00-17:00
展覽地點：國立故宮博物院｜第二展覽館1樓特展廳
線上購票：500元
展區分為五大主題：(1)身體姿態、(2)肖像與人物、(3)徜徉自然、(4)從城市到鄉村、(5)水岸風光，呈現藝術家對這些主題的多元詮釋與演變。
故宮展覽
■主題展區1-身體姿態
梳理1860年代起，不同藝術家對人體的詮釋，以及說明鉛筆&顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性。
▼塞尚《沐浴者》
塞尚常被歸類為後印象派，但他其實很快就跳脫印象派對光影的重視，轉向解構形狀和畫面的藝術概念(物體形狀被幾何切割)，對後來的現代藝術影響深遠，野獸派馬諦斯&立體派畢卡索就稱讚他是「我們所有人的父親」，因此被譽為「現代主義之父」。
《沐浴者》是塞尚最早的「沐浴者」畫作系列之一，描繪六位裸女在河邊洗澡和休憩的場景，從不同角度展現女性裸體。
塞尚對裸體人物十分著迷，「沐浴裸女」主題貫穿其創作生涯，但據說他不習慣使用女性模特兒，因此運用想像力，以及對古典藝術裸畫的深厚了解來創作，使得作品兼容古典與創新的特質。
左: 60歲的塞尚。右: 《61歲的自畫像》，1878-1800，美國菲利普美術館
美國大都會博物館名作展
▼高更《大溪地的出浴女子》
高更被歸類為後印象派，他不認同印象派「我手畫我眼」藝術概念(甚至覺得有點蠢)，認為繪畫應注入更多個人思考。
1891年6月，高更為了逃離巴黎現代生活壓力，第一次遠赴大溪地。他著迷島上風景與單純生活，創作出多幅佳作，《大溪地的出浴女子》就是記錄異國情調的重要作品之一。畫中共有三位沐浴中的女子，她們背對觀眾，營造出不被打擾的觀看距離感。土黃與深綠等飽和色塊，使畫面充滿熱帶島嶼的溫暖氣息。
此畫是張草圖，後來被裱裝到畫布，再經過潤飾和上光，大概是為了準備出售。
故宮展覽
▼馬諦斯《扶手椅上的裸女》
馬諦斯是野獸派代表，但其藝術風格不斷轉變，強烈色彩+狂野筆觸「野獸風」只出現過一小段時期，例如《扶手椅上的裸女》就相當不野獸！
畫作描繪一位短髮裸女，若無其事翹腳坐在房間的扶手椅。房間鋪著黑色花紋的紅地毯(左下角可見簽名)、黃花紋的扶手椅、背景是擺放藍花瓶的白櫃子。他運用和諧的色彩、柔和的造型、放鬆的姿態，營造出寧靜氛圍，捕捉私密且內省的時刻。
■主題展區2-肖像與人物
18世紀工業革命帶動社會階層與城市面貌的改變，「肖像畫」成為新崛起的中產階級展現財力與地位之物。藝術家賦予肖像畫更風格化的表現，人物不是乖乖坐著擺拍，改為呈現現代生活的社交互動(例如臥房的少女、咖啡廳的紳士)，模糊了肖像畫與風俗畫之界限。
▼考特《春日》
《春日》是整場展覽的特例，屬於法國學院派古典風格，用來對照印象派之後的畫風。(學院派是法國當時的主流審美，稱霸歐洲藝壇好長時間)
《春日》描繪春天森林中，一對少男少女邊盪鞦韆邊調情。少女的半透明薄紗白裙隨風飄動，主動伸出雙手勾住少年，嫵媚望著少年微笑，完全一副重度戀愛臉。畫中的柔和色調與流暢筆觸，展現春日風情與青春愛戀。
畫家考特屬法國學院派，崇敬學院派大師布格羅和卡巴內爾。《春日》於1873年沙龍展出大獲成功，被廣泛運用於版畫、扇面、瓷器和掛毯等。畫作的首任收藏家約翰·沃爾夫(John Wolfe，五金大亨)將作品掛在曼哈頓豪宅的黃金位置，訪客們都著迷於「這對沉醉於初戀的孩子…這充滿法式情調的田園詩般的生活」。
暴風雨〉(The Storm)，考特，1880
▼雷諾瓦《彈鋼琴的兩位少女》
法國印象派畫家大多很有個性(叛逆邊緣冷僻…)，但雷諾瓦除外，他溫和且善於社交，因此收到許多委託案，為中產階級的夫人和千金繪製肖像畫，完整呈現(甚至放大)女性之美。
19世紀末，法國注重推廣當代藝術，雷諾瓦受邀為巴黎新建的盧森堡博物館創作一幅畫作。雷諾瓦為此創作了《彈鋼琴的兩位少女》，描繪鋼琴前的兩位少女，一彈奏一聆聽，以柔和筆觸與溫暖色調，展現少女的青春優雅(看看那紅潤蘋果肌)與靜謐情感，也呈現資產階級家庭的生活片段，平凡卻充滿溫馨色彩。
雷諾瓦深知作品將面臨嚴格審查，因此不斷改進，最後創作五幅版本，其中兩幅尤為出色，而本次展出的一幅正是其中佳作。《彈鋼琴的兩位少女》展覽必看，看到賺爛！
▼達利《蕾絲女工》
《蕾絲女工》描繪黃色上衣的年輕女性，左手拿著一對線軸小心翼翼將別針插在正在製作線軸花邊的枕頭上。此畫乍看以為是荷蘭畫家維梅爾的作品，結果竟是達利──超現實主義的達利?!
達利屬於超現實主義，但他的藝術偶像是西班牙畫家維拉斯奎茲&荷蘭畫家維梅爾(BTW~大都會博物館收藏5幅維梅爾，數量之多僅次於荷蘭國立博物館)。從羅伯特·雷曼與達利之間的通信記錄表明，此畫是達利受到羅伯特先生委託，而到羅浮宮修復實驗室進行細緻的臨摹，空白的牆面簽上明顯的「DALÍ」。
《蕾絲女工》是整場展覽中，難得看到藝術家對不同藝術風格的再現。
右:《蕾絲女工》(The Lacemaker )，維梅爾(Johannes Vermeer，1632-1675)，1669-1671，法國羅浮宮
■主題展區3-徜徉自然
此區闡述法國風景如何啟發藝術家，將自己獨特的視角和個人風格帶入畫作。
▼塞尚《布豐莊園附近的樹木及房舍》
塞尚開創全新的視覺語言，以幾何形狀解構物體形狀和透視，為後來藝術家奠基，因此成為現代藝術之父。
塞尚一生探索空間關係，無論是在寫生過程或從記憶重構場景──《布豐莊園附近的樹木及房舍》正是描繪塞尚家族位於普羅旺斯地區的住所，他從布豐莊園的外圍觀察宅邸，前景是光禿的樹木枝幹，背景是莊園房舍，呈現樹木與房屋間的空間動態。
此畫雖是油畫，卻像水彩畫質地，有種未完成的隨意感，這種淡化材質的技巧，讓畫面在安靜中不失美感與力量。
▼梵谷《花朵盛開的果園》
1888年梵谷搬到亞爾居住，這段時間是他的創作高峰期。亞爾的春天到來，梵谷沉浸在創作喜悅中，他寫信給弟弟西奧說：「樹木繁花似錦，我想畫一個充滿歡樂的普羅旺斯果園。」從三月下旬到四月下旬，梵谷以果園為主題創作14幅尺寸/版式/風格各異的油畫。
《花朵盛開的果園》描繪春天果樹花朵盛開的美麗景象，畫作以線條分明的細長枝條為主，草地與花卉以鮮明色彩和粗短筆觸，展現春天的生機與活力，表現梵谷對自然的熱愛及對色彩的探索。
■主題展區4-從城市到鄉村
19~20世紀藝術家探索法國各地人們與環境的生活互動，無論是巴黎城市、鄉村小鎮、度假勝地，藝術家均以現代眼光與創新技巧，詮釋所處地方的景觀與人群。
▼畢沙羅《冬天早晨的蒙馬特大道》
畢沙羅是丹麥裔印象派畫家，作品以鄉村田園、城市街景、勞動者為主題，後期短暫接觸後印象「點描派」，與秀拉、希涅克合作嘗試點點的新技法。
1890年代，畢沙羅的視力逐漸下降，戶外繪畫對他來說越趨困難，因此離開鄉村前往巴黎。畢沙羅從他暫居的俄羅斯大酒店眺望風景，驚嘆可以「縱觀整條林蔭大道」、「幾乎可以鳥瞰馬車、公共汽車、人群，以及那些需要扶正的大樹和大房子」。
《冬天早晨的蒙馬特大道》正是描繪他從酒店眺望的蒙馬特大道街景，高視角的獨特構圖，大道兩側是成排樹木和高聳建築，街道上是熙來攘往的人車。畢沙羅粗略描繪就像模糊照片，增添了城市街道的動態感，但天空瀰漫薄霧的冬日陽光，使景色多了份濛濛早晨的寧靜。畫中許多地方(例如路面)，看得到他後期嘗試的點描法。
畢沙羅創作4幅「林蔭大道」主題畫作系列，記錄他從窗戶望出去的城市景象，各自展現一天不同的時間和天氣，這正是印象派畫家關注的一大主題。
畢沙羅的名字也許不像莫內、雷諾瓦那般響亮，但在印象派畫家心中，他是無可取代的精神支柱──畢沙羅是唯一參加所有8次印象派聯展的成員，促成印象派的團結與理念發展，被視為印象派與現代繪畫發展不可或缺的關鍵人物。此外，畢沙羅以親切、寬厚、樂於指導後輩而聞名，他是塞尚的摯友與導師，曾引導他走出創作低潮；也對高更、竇加等人提供實質支持與鼓勵。
▼秀拉《大碗島的星期天下午》習作
畢沙羅晚期支持秀拉與希涅克的新印象派「點描派」。「點描」是由小而密集的顏色點組成的技法，這些顏色點在觀者的視網膜上相互混合形成完整圖像，顯示他們對色彩學和光學的深刻理解。
秀拉的代表作《大碗島的星期天下午》描繪巴黎郊區塞納河「大碗島」，畫中人物在河畔草地上悠閒度過午後時光。秀拉在創作鉅作前，練習約50幅素描和油畫速寫，此次展出的小幅畫作是其中之一。
《大碗島的星期天下午》 (A Sunday on La Grande Jatte)，秀拉，1884-1886，美國芝加哥藝術機構
■主題展區5-水岸風光
顏料軟管的發明，便於藝術家攜帶畫具前往外地寫生；工業化帶動鐵路運輸，人們開始前往海灘、漁村、港口等地，皆可看到不同藝術家帶來的畫作紀錄。
▼雷諾瓦《海灘上的人物》
法國蔚藍海岸以美麗海岸線、明亮陽光、悠閒氛圍受到許多藝術家的青睞。
《海灘上的人物》描繪蔚藍海岸的兩位女子，還有陪伴她倆的一隻小白狗，展現出寧靜的自然交流。海邊的藍衣小男孩正在玩耍，似乎準備將手中東西丟進大海，為靜謐畫作增添一絲動態，讓觀眾感受到生活場景的真實感。
此畫創作於雷諾瓦藝術生涯後期，此時的他對於工業化社會抱有遲疑，因而傾向讚頌自然和平凡的生活方式。
▼波納爾《聖特羅佩舊港一景》
法國後印象「那比畫派Nabis」受到高更與日本浮世繪啟發，強調畫面色彩與裝飾性(頗像早期印象派，因此被畢卡索詬病「走回頭路」)。創始成員之一的波納爾，以鮮豔大膽的色彩、不尋常的構圖視角，創造出動態的畫面效果。
1911年，波納爾第三次前往法國地中海沿岸聖特羅佩的小漁港。《聖特羅佩舊港一景》描繪他從市政廳窗口往外望，經由兩棟建築物的空隙，窺見狹窄的港口景象。這種描繪帶有框景感，將觀者目光有限地引導至畫家的聚焦處。
街道上幾個人影隱約於光影之間，甚至泛著紫色的陰影，這種不尋常的顏色選擇反映畫家對光影層次的特殊表現。
■亮點主題：一定要認識的女性畫家
印象派只有男性畫家？當然不是！展覽展出印象派女性畫家作品，展現西方現代藝術發展過程，女性藝術家逐漸嶄露頭角，以獨特視角與風格開拓藝術表現的新面向。
▼貝絲‧莫莉索《穿綠色外套的少女習作》
在印象派的藝術革命中，莫莉索始終在場卻從不高聲喧嘩。她是印象派八大創始成員之一，也是當時唯一的女性畫家，儘管身在男性主導的藝術圈，她仍憑作品風格與技法獲得高度評價。
莫莉索來自教養良好的法國家庭，從小在有遠見的母親培養下，和姊姊一同學畫。她與馬奈交情深厚，曾是馬奈的模特兒，後來更成為他的弟媳。
比起自然風光，她更喜歡捕捉窗邊光影和閨房寧靜，以及最重要的：母女間不言而喻的親情。她把女兒、姊姊，乃至整個家族都收進她的畫布，以輕盈筆觸刻畫女性感情的深度。
《穿綠色外套的少女習作》(Study for “Young Girl in a Green Coat”)，莫莉索(Berthe Morisot，1841-1895)，1894
▼瑪莉‧卡薩特《花園裡的少女》
卡薩特生於美國賓州的富裕家庭，對藝術的熱愛使她毅然決然違背家人期待，在1874年前往巴黎發展。1877年結識了竇加，兩人互相欣賞並切磋藝術理念(這實在不容易，據說竇加有厭女傾向)。在竇加的鼓勵下，卡薩特於1879年正式加入印象派聯展，成為唯一正式被印象派畫家團體接納的美國人。
卡薩特的繪畫主題集中於女性日常生活，包含母子親密互動、女性閨房的沉思與閱讀 (就像母嬰類KOL) 。
卡薩特不僅開拓女性主題，她也是藝術推動者與策展者，幫助許多美國收藏家認識並購買印象派作品，促成後來美國博物館的印象派收藏。
本次展出作品《花園裡的少女》，畫中小女孩叫瑪格(Margot Lux)住在卡薩特鄰近村莊，是她的愛用模特兒，卡薩特曾為她畫過近50幅作品。《花園裡的少女》瑪格站在綠意盎然的大自然，戴著裝飾大花的深綠色軟帽，可愛洋裝從她纖小的肩膀滑落，描繪她玩耍的短暫休息片刻。簡化的構圖、明亮的色調和大膽奔放的筆觸，體現了卡薩特成熟的印象派風格。
▼蘇珊‧瓦拉東《斜臥裸女》
瓦拉東是印象派男畫家的繆思女神，憑一己之力翻轉男女刻板定位，是位令現代女性佩服的狠人！
瓦拉東出生法國貧民階級，少女時期曾在馬戲團擔任雜技演員，因傷退團後進入畫室擔任模特兒(甚至是裸體模特兒)，曾為多位有名的畫家擔任模特兒(例如：雷諾瓦、竇加)。瓦拉東從未接受正規藝術訓練，但她不甘只是畫中人，因此她在畫室一邊擺姿勢，一邊學習繪畫技巧，開始用自己的視角觀察與創作。
瓦拉東的繪畫主題包含靜物與自畫像，但真正讓她為人所知的是女性肖像。她在男畫家的筆下宛若天仙大小姐，但其自畫像卻筆觸堅硬和線條明確，變身鐵錚錚的女漢子。此外，她畫筆下的女性不是被男性觀看的對象，而是擁有視角與存在感的個體，開拓出一條屬於女性視角的路。
瓦拉東是第一位被法國國家美術協會接納的女畫家，雖然長期被男性畫家與評論者邊緣化，近年來她的作品與生平被重新評價，成為女性主義藝術史的重要標誌。
說起瓦拉東的風流愛情史又是一段精彩故事，她個性奔放且思想前衛，據說18歲懷孕時，許多男性藝術家都懷疑並願意承認自己是孩子的爹(包括雷諾瓦，但他當時有正牌女友，所以不敢承認)。瓦拉東談過多段令男人心碎的戀愛，結過幾次婚又離婚，最後和小二十歲的畫家丈夫烏特(André Utter)結婚。
瓦拉東以丈夫當模特兒，創作多幅男性裸畫，算是史上第一位倒轉男女角色的藝術家。(但他們最後也離婚了)
右: 《33歲自畫像》，休士頓美術館
■參觀心得-大都會博物館展覽
參觀展覽的欣賞角度很多元，可以從畫技/構圖/流派析析畫作的美感，但葵花子更鼓勵大家從印象派的時代背景+藝術家生平(很多人設大翻車)切入作品，尤其印象派之後的現當代藝術家，不再關注古典主義的神話和宗教，改為聚焦他們對於當下生活的深層感受和哲學思想，更能反應藝術的使命，以及人與社會的連結，從而讓我們對歷史、藝術、文化有深刻的體悟。
【IG-乖,你聽畫】追蹤藝聞趣事
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【美國大都會博物館名作展】
展覽日期：2025/6/14-10/12｜9:00-17:00
展覽地點：國立故宮博物院｜第二展覽館1樓特展廳
線上購票：500元
1 評論
這週末終於去看展了，部落格的介紹我反覆讀了幾次，看展時還不時的補充教材給同行的朋友，大家聽得津津樂道，真的不只是眼睛看畫，更懂了畫作和畫家更細節的內容知識，真心感謝這個頻道和部落格。